Carnet de Bal
Le Carnet de bal bat son plein !
Du 3 avril 2023 au 30 juin 2024
Depuis la danse 3002, le 3 avril 2023, après huit années de sa vie consacrées à cette œuvre, Nadia Vadori-Gauthier compose un Carnet de bal : elle invite des chorégraphes à danser. Elle poste désormais chaque jour, et jusqu’à fin décembre 2024, une danse de ses invités. Elle invite chacun, chacune à investir librement le dispositif, restant la chorégraphe du protocole. Dans l’ombre du Carnet de bal, elle poursuit ses danses quotidiennes sans les poster quotidiennement sur les réseaux : elle réalise ainsi des Shadow Danses qui sont pour elle le travail de fond, le terreau de l’œuvre. La Danse 3000 a amorcé un tournant marquant qui ouvre la minute de danse à des regards chorégraphiques confirmés, à d’autres danses, tout en maintenant le goutte à goutte de l’eau sur la pierre, selon le proverbe chinois qui a inspiré le geste en 2015.
Carnet de bal 2023
Benoît Lachambre – Ambra Senatore – Kaori Ito – Liam Warren – Cécile Proust – Brigitte Seth et Roser Montlló Guberna – Myriam Gourfink – Bernardo Montet – Julie Anne Stanzak – Margaux Amoros – La Ville en feu – François Ben Aïm – Anne Dreyfus – Lisi Estaras – Marion Lévy – Daniel Larrieu – Asaf Bachrach – Katia Petrowick – Marie Motais
Carnet de bal 2024
David Noir – Cécile Loyer – Sylvain Riejou – Joana Schweizer – Benoît Lachambre – Bernardo Montet – Johanna Faye – Vincent Dupuy – Maki Watanabe – Yohan Vallée – Emmanuelle Vo Dihn – Lorenzo « Sweet » Vayssière – Denis Plassard – Meg Stuart – Pauline Bayard
Les invitations se succédent selon un calendrier qui se déroulera jusqu’à fin juin 2024. Ensuite, Nadia re-dansera publiquement la minute jusqu’au 14 janvier 2025. Cette date marquera les dix ans et la fin des minutes de danses quotidiennes.
Carnet de bal
Benoît Lachambre, danseur et chorégraphe
Son approche de recherche, sensiblement radicale, approfondit l’hyperéveil des sens, dans l’imaginaire d’un corps où se transforment les notions de relations des espaces intérieurs et extérieurs du corps. Chorégraphe et pédagogue d’envergure international, il fonde la compagnie, Parbleux, à Montréal, et quitta celle-ci enfin de devenir artiste indépendant en 2020.
Benoît a chorégraphié plus de 80 pièces. Il collabore avec de nombreux chorégraphes d’envergure internationale et artistes provenant de disciplines différentes : Boris Charmatz, Sasha Waltz, Marie Chouinard, Louise Lecavalier, Meg stuart….
Il a reçu un Bessie Award en 2006 à New-York, pour sa prestation dans Forgeries, Love and Other Matters, une co-création avec Meg Stuart et Hahn Rowe. En 2014, il reçoit du Conseil des arts et des lettres du Québec, le prix de la meilleure œuvre chorégraphique pour la commande chorégraphique, Prismes, créée en 2013 pour Montréal Danse.
Photo : © Laurent Theillet
Liens : instagram
Ambra Senatore, chorégraphe et performeuse, directrice du Centre Chorégraphique National de Nantes
Une danse proche de l’humain qui aime aller à la rencontre des personnes, des lieux.
Ambra Senatore compose des oeuvres pour parler du collectif et pour tisser des liens entre les êtres. Au fondement de toute sa recherche se trouve la relation. Dans son travail, le quotidien est « observé à la loupe », décalé, renversé. Adepte des surprises, des cut et des répétitions, qui rappellent le cinéma, Ambra Senatore re-compose le réel à la manière d’une réalisatrice. En Italie, elle se forme auprès de R. Castello, R. Giordano avec qui elle collabore rapidement. En tant qu’interprète elle travaille avec J. C. Gallotta, G. Rossi, G. Lavaudant, ou A. Tagliarini. Au début des années 2000, elle crée des pièces collaboratives tout en terminant un doctorat sur la danse contemporaine. En 2004, elle se lance dans l’écriture chorégraphique avec des soli qu’elle interprète (jusqu’en 2009) puis avec des pièces de groupe et affirme son écriture hybride où se conjuguent danse, théâtre et profonde humanité. À la direction du CCN de Nantes depuis 2016, Ambra Senatore propage une danse généreuse et curieuse (créations in situ dans les parcs publics, les marchés, les écoles, les musées, les lieux patrimoniaux, les gares …) qu’elle considère comme un moyen de partage, de connaissance de soi et de l’autre.
Photo : © Viola Berlanda
Liens : ccnnantes.fr / echo-ambrasenatore.com
Kaori Ito, danseuse et créatrice, directrice du TJP de Strasbourg
Kaori Ito cherche à faire émerger un mouvement vital qui relie les corps entre eux et fait exister le vide, l’invisible et le sacré. En 2023, huit ans après avoir porté ses projets au sein de sa propre compagnie, Kaori Ito prend la direction du TJP, Centre dramatique national de Strasbourg – Grand Est. Elle souhaite en faire un lieu de théâtre transdisciplinaire, interculturel et intergénérationnel qui défend la transversalité de l’art, l’importance des questionnements qui habitent les enfants et leur implication dans les processus de création.
Danseuse et créatrice depuis 20 ans, Kaori Ito cherche à faire émerger un mouvement vital qui relie les corps entre eux et fait exister le vide, l’invisible et le sacré. En 2023, huit ans après avoir porté ses projets au sein de sa propre compagnie, Kaori Ito prend la direction du TJP, Centre dramatique national de Strasbourg – Grand Est. Elle souhaite en faire un lieu de théâtre transdisciplinaire, interculturel et intergénérationnel qui défend la transversalité de l’art, l’importance des questionnements qui habitent les enfants et leur implication dans les processus de création.
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Liam Warren, danseur et chorégraphe
Liam Warren vit et travaille à Marseille. Formé à l’École Nationale de Ballet du Canada, à l’École d’Alvin Ailey à New York et à l’Université Codarts aux Pays- Bas, il a été notamment danseur d’auprès Angelin Preljocaj et d’Yves-Noël Genod.
Il crée des œuvres favorisant une interaction mutuelle entre le performeur et le spectateur en utilisant un dispositif qui met en contact les corps. Il conçoit le processus créatif de manière horizontale, en considérant les divers éléments en jeu tels que les mouvements, les sons, les lumières et les images, afin de façonner des paysages artistiques. Alternant propositions renouvelables et créations in situ, il conduit une réflexion guidée par la volonté d’expérimenter de nouvelles formes et d’hybrider arts vivants et arts plastiques. Engagé dans des projets collectifs, son travail recouvre aussi une dimension sociale, notamment avec le groupe Refuge Migrants LGBTQI+ à Marseille. Il collabore régulièrement avec l’artiste visuel berlinois Young-jun Tak.En novembre 2023, Liam intègre le Master Arts Praxis au Dutch Art Institut pour deux années.
Photo : © Marc-Antoine Serra
Lien : www.rift.house instagram
Cécile Proust, chorégraphe, danseuse, commissaire d’expositions, autrice et enseignante, diplômée de l’école des Arts Politiques créé par Bruno Latour à SciencesPo Paris
Ses œuvres chorégraphiques interrogent la fabrique des corps, des danses, des genres, des âges, des images et des regards. Elles sont reliées à des questions anthropologiques et géopolitiques, elles croisent de multiples champs théoriques et tissent des liens spécifiques avec les gender studies, les féminismes, les arts plastiques et l’espace public. Cécile Proust signe des chorégraphies documentaires qui mêlent danse, chant, vidéo, entretiens et textes, elles s’inscrivent dans son projet femmeuses, dont Jacques Hoepffner signe les scénographies et les vidéos.
En 2021, lauréate de la bourse de recherche du CND, elle entame son projet Ce que l’âge apporte à la danse. Auparavant, Cécile Proust collabore à l’émergence de la nouvelle danse française des années 1980 et 1990, en travaillant auprès des chorégraphes Josette Baïz, Claude Brumachon, Dominique Brun, Jean-Pierre Perrault, Jean Pomarès, Quentin Rouiller puis Alain Buffard, Odile Duboc, le quatuor Albrecht Knust, Thierry Thieû Niang et les metteurs en scène Robert Wilson et Robert Carsen. Pour ses recherches anthropologiques, Cécile Proust effectue plusieurs séjours en Inde (bourse Romain Rolland) et au Japon (Villa Kujoyama). Elle pratique le Kathak à Delhi, le Jiuta Maï à Kyoto, les danses Raqs Sharqi et Baladi au Caire et le flamenco en Andalousie.
Photo : © Jacques Hœpffner
Liens : Femmeuses – Ce que l’âge apporte à la danse : Installation – Résonance
Roser Montlló Guberna et Brigitte Seth sont « auteures de spectacles », à la fois metteures en scène, chorégraphes, dramaturges et interprètes, Cie. Toujours après minuit
La multiplicité des cultures et des expériences les conduit, lorsqu’elles se rencontrent, à mêler les langues, les langages (théâtre, danse, musique), les générations. En 1997 elles créent la compagnie Toujours après minuit et réalisent de nombreux spectacles, dernièrement : Coûte que coûte (2014), ¡ Esmérate ! Fais de ton mieux ! (2015), Le bruit des livres (2016), Sisters (2016), Visites décalées au Théâtre National de Chaillot (2017), À vue (2018), Gertrude Stein, sa compagne Alice Toklas, son ami Pablo Picasso (2019), Family machine (2019), La merveille du Siècle, portrait d’Élisabeth Jacquet de la Guerre (2020), Parades (2020), Salti (2021), Odisea, nos voyages avec vous ( 2022)
Les deux metteures en scène-chorégraphes sont également sollicitées pour réaliser des mises en scène chorégraphiques pour l’opéra : la trilogie Monteverdi sous la direction musicale de Jean-Claude Malgoire –Orfeo, Le retour d’Ulysse, Le couronnement de Poppée -, et Madeleine aux pieds du Christ d’Antonio Caldara à l’Abbatiale au festival de la Chaise-Dieu, direction musicale de Arie Van Beck. À nouveau, sous la direction musicale de Jean-Claude Malgoire, de Orfeo ed Euridice de Gluck.
La compagnie Toujours après minuit réalise de nombreuses performances, regroupées sous le nom générique de Luna i Lotra Performing hors les murs : à domicile, maisons de quartier, bibliothèques, médiathèques…
Roser, espagnole, étudie la danse classique, contemporaine, espagnole et le théâtre à L’Institut del Teatre de Barcelona. Elle obtient le premier prix au Concours National de Danse Classique en Espagne. Arrivée en France en 1982, elle débute sa carrière avec les chorégraphes Maguy Marin, Angelin Preljocaj, Adriana Borrielo (Italie), Tomeo Vergès… Puis elle poursuit également en tant qu’actrice avec Jean-Claude Penchenat, Lukas Hemleb, Sophie Loucachevsky, Jean-François Peyret, …
Brigitte, française, se forme à l’Ecole des Arts et Techniques du Cirque et du Mime au Nouveau Carré Sylvia Monfort à Paris. Elle est Chevalière de l’Ordre des Arts et des Lettres. Elle écrit et est interprète au sein de différentes structures de théâtre contemporain, le Théâtre Emporté (« ancêtre » de Zingaro), le Théâtre Incarnat, … Elle est aussi actrice avec Patrice Bigel, Éloi Recoing, Tomeo Vergès, Jean-François Peyret, …
Photo : © Christophe Raynaud de Lage
Lien : www.toujoursapresminuit.org instagram
Myriam Gourfink, chorégraphe, , Cie. LOL danse
Auteure de nombreuses pièces, Myriam Gourfink est engagée dans une recherche sur l’écriture du mouvement depuis 1996. Fondée sur les techniques respiratoires du yoga, sa danse repose sur une organisation rigoureuse des appuis et une conscience aigüe de l’espace. A la fois abstraite et sensible, elle se caractérise par sa lenteur et une implication des interprètes qui sont amenés à effectuer des choix à l’intérieur des partitions.
Figure de la recherche chorégraphique en France, reconnue comme telle et invitée par de nombreux festivals internationaux, Myriam Gourfink a été artiste en résidence à l’IRCAM, au Fresnoy/Studio national des arts contemporains, au Forum de Blanc-Mesnil, ainsi qu’à Micadanses à Paris. Elle a également dirigé de 2008 à 2013 le Programme de recherche et de composition chorégraphiques (PRCC) de la Fondation Royaumont, et programmé, en 2012, le cycle « Les danses augmentées » à la Gaîté Lyrique. Soutenue par le Centre Pompidou depuis 1999, son travail a fait l’objet d’un focus dont le thème était « Les formes du temps » lors de l’inauguration du Centre Pompidou x Westbund Museum Project à Shanghai en 2019. Elle est l’auteure, avec Yvane Chapuis et Julie Perrin, du livre Composer en danse – Un vocabulaire des opérations et des pratiques, publié par Les presses du réel en janvier 2020.
Photo : © Joséphine Derobe
Lien : https://www.myriam-gourfink.com/category/agenda/ – instagram
Bernardo Montet, danseur et chorégraphe, artiste associé au CNCA de Morlaix
Après un passage à l’école Mudra de Maurice Béjart à Bruxelles, il poursuit sa carrière auprès de la chorégraphe Catherine Diverrès et codirige avec elle le Centre Chorégraphique National de Rennes jusqu’en 1998. Il sera ensuite à la direction du Centre Chorégraphique National de Tours de 2003 à fin 2011. Dès 1997, Bernardo Montet s’entoure d’une équipe de collaborateurs fidèles (Tal Beit Halachmi, Taoufiq Izeddiou, Dimitri Tsiapkinis et Marc Veh) avec lesquels il compose un répertoire d’une vingtaine de pièces. En 2012, il accompagne Madeleine Louarn sur le spectacle Les Oiseaux d’Aristophane, parallèlement il travaille sur un duo intitulé (Des)incarnat(s), avec un des comédiens de l’Atelier Catalyse, sur la notion de vulnérabilité.
Toutes ses pièces traitent de sujets qui lui sont chers : le colonialisme, la mémoire, l’identité, la conscience des corps, la résistance… Bernardo Montet développe également des projets singuliers avec des enfants tels que ChOral (2013), Mom’arts (2010, 2011, 2019), dans la ville tels que Pas à Pas (2013), La Marche des anges (2007) ou Veiller par le geste (2008, 2009 et 2010)
Julie Anne Stanzak, danseuse et chorégraphe, Tanztheatre Wuppertal / Pina Baush
Julie Anne Stanzak est née à Charlotte, en Caroline du Nord et a grandi à la Nouvelle-Orléans. Sa passion pour la danse a été éveillée dès son plus jeune âge aux spectacles de l’American Ballet Theatre de la Nouvelle-Orléans.
De 1977 à 1979, elle danse avec le Chicago Lyric Opera Ballet sous la direction de Maria Tallchief, qui devient son mentor. Arrivée en Europe, elle rejoint de 1979 à 1985 le Het Nationale Ballet dirigé par le danseur et chorégraphe néerlandais Rudi van Dantzig. En 1986 elle intègre la troupe permanente du Tanztheater Wuppertal, sous la direction de Pina Bausch. À partir de ce moment, elle participe à tous les spectacles qui font la renommée de la compagnie. Depuis 1990, Julie Anne Stanzak a mis en scène divers spectacles pour diverses compagnies et institutions internationales de danse et de théâtre en Europe, aux États-Unis et au Japon. Elle anime des séminaires pour danseurs, acteurs et non-professionnels en Italie, en France et en Allemagne. Depuis 1993, elle se consacre à la création de spectacles avec des personnes en situation de handicap, en collaboration avec la compagnie du Théâtre Ramba Zamba de Berlin, l’Académie des Arts de la Diversité-Teatro La Ribalta de Bolzano et la Compagnie L’Oiseau Mouche de Roubaix.
Photo : © Ryo Shirai
Liens : instagram
Margaux Amoros, danseuse et chorégraphe, Cie. La Férale
Margaux Amoros est chorégraphe, danseuse et comédienne. Elle étudie le Body-Mind Centering® et est formatrice certifiée à la méthode Corps sismographe®. Elle suit un cursus en art dramatique au conservatoire Erik Satie et intègre les ateliers de danse de Nadia Vadori Gauthier. À l’occasion de nombreux workshops elle rencontre le travail de Julyen Hamilton, Maya Carroll, Les Ballets C de la B, Ultima Vez, Peeping Tom.
Pendant ses études, elle fonde avec Cécile Brousse la compagnie Abscisse et Ordonnée et mène avec elle un travail de création et d’expérimentation, notamment avec le Studio For Immediat Space (Sandberg Instituut) à Amsterdam. Elles créent deux pièces courtes, Passe moi la Gaffe et Plan d’évasion. Depuis 10 ans, elle fait partie du laboratoire de recherche et de création le Corps collectif dirigé par Nadia Vadori-Gauthier. Elle collabore pendant 5 ans avec la compagnie L’Ame de Fonds en Suisse.
En tant qu’interprète, elle travaille avec Marie Desoubeaux, Simon Tanguy, Nina Vallon, Leïla Gaudin, Nadia Vadori-Gauthier et Margaux Marielle- Tréhouart & Haggai Cohen Milo. En 2022 elle fonde sa propre compagnie, La Férale. Sa première création À CRU reçoit le soutien de Danse Dense.
Liens : La Férale – site internet – Instagram
La Ville en feu, collectif de danseurs/performeurs/chorégraphes
La Ville en Feu est un collectif artistique pluriel de danse, théâtre et chant. En 2015, le collectif, constitué de douze jeunes artistes animés par une fougue, un élan, une folie, entame un laboratoire de recherche chorégraphique et vocale autour du « Sacre du Printemps » d’Igor Stravinsky. La première version du « Sacre » voit le jour en 2016. S’ensuit en 2017, la création de La Grosse Plateforme avec les collectifs La Faim du soir tard et Les Occiputs.
Actuellement, La Ville en Feu est en création pour son deuxième spectacle : « Les Planètes », d’après le poème symphonique éponyme de Gustave Holst.
Avec : Marius Barthaux, Maxime Bizet, Thomas Bleton, Louise Buléon-Kayser, Agathe De Wispelaere, Justine Dibling, Juliet Doucet, Giulia Dussollier, Jean Hostache, Myriam Jarmache, Simon Peretti et Garance Silve.
Photo : © Jeco
François Ben Aim, danseur et chorégraphe, Cie. CFB 421
À l’issue d’une formation pluridisciplinaire mêlant danse, théâtre physique et cirque, il participe en 1995 à la création Dépôts Lapidaires de la chorégraphe et vidéaste hollandaise Angelika Oei, au Festival International de Nouvelle Danse de Montréal puis il poursuit cette collaboration à Lisbonne et Rotterdam avec la création des spectacles Tomi et Tomi 4.0, mêlant danse vidéo-live et film.
De retour en France, tout en étant interprète, il entame une collaboration avec son frère Christian avec lequel il crée la Cie CFB 451. Tous deux danseurs et chorégraphes, ils construisent depuis 1997 une œuvre d’une trentaine de pièces, riche de poésie et d’exigence, à l’écriture chorégraphique très physique et prospective, qui s’élabore souvent au croisement de plusieurs disciplines.
En explorant la fraternité, le désir ou l’émancipation dans leur richesse contradictoire, en interrogeant les normes dans leur ambivalence, ils abordent chaque pièce comme un exercice de déséquilibre ; une expérience dont l’enjeu est de s’approcher du vide, perçu comme l’endroit d’une ouverture renouvelée.
Photo : © Patrick Berger
Liens : Cie. CFB 421 / instagram
Anne Dreyfus, danseuse et chorégraphe, dirige depuis 2006 Le Générateur.
Lieu d’arts et de performance situé à la lisière de Paris 13ème , elle l’a co-fondé avec le peintre Bernard Bousquet.
Après une formation en danse classique et danse contemporaine à Paris, elle est membre de la Cie Peter Goss et de la Cie Jennifer Muller and the Works (USA).
Entre 1982 et 2003 elle crée avec sa compagnie plus d’une trentaine de chorégraphies présentées tant en France qu’à l’étranger.
Parallèlement à ses créations, elle poursuit une importante activité pédagogique et enseigne entre autres, au Conservatoire Supérieur de Musique et de Danse de Paris.
Son interrogation sur le sens du mouvement et sur la relation entre la danse et la musique, l’amène à orienter petit à petit son travail vers la composition instantanée et l’improvisation. Ce parcours de danseuse, chorégraphe mais aussi de pédagogue lui permet d’avoir une approche de l’espace et de la création aux contours sans fin.
Le projet du Générateur croise ainsi intimement sa démarche d’artiste car il constitue une forme de réponse à son souci d’élargir sa vision, ses interrogations, son exploration, sur la place et le sens du corps dans l’art d’aujourd’hui. Ni théâtre et ni espace d’exposition, les 600m2 du Générateur lui permettent de proposer une programmation axée sur la rencontre, l’accompagnement des artistes et sur des productions artistiques singulières dès lors qu’elles riment avec recherche et création.
Lisi Estaras, danseuse et chorégraphe, Cie. Monkey Mind
Originaire de Cordoba en Argentine, elle commence sa carrière auprès des ballets C de la B en 1997. Elle fait notamment partie des créations d’Alain Platel, et de Sidi Larbi Cherkaoui. Au cours des années elle développe son propre travail, seule et en collaboration avec d’autres artistes (Einat Tuchman, Constanza Macras, Serge-Aimé Coulibaly, Sara Vanderieck et Mirko Banovic …). Pour les ballets C de la B, elle a chorégraphié Patchagonia, Bolero, The Gaza Monologues, primero-erscht et Dans Dans, une coproduction avec het KIP (Gand). Lisi fait des chorégraphies et des coachings pour d’autres théâtres et compagnies. Elle chorégraphe plusieurs pièces. En 2015, elle crée le solo La esclava avec le chorégraphe Ayelen Parolin (La Biennale de Charleroi, les Brigittines, Centre Wallonie-Bruxelles (Paris), Le Gymnase (Roubaix), Julidans (Amsterdam), …). En 2016, elle crée le spectacle Monkey Mind avec trois danseurs avec le syndrome de Down pour Platform K (Campo, Gand) et le solo The speech pour Irene Russolillo (Festival Equilibrium, Rome).
Elle donne des masterclass et des workshop en Belgique et ailleurs dans le cadre de projet pédagogique des ballets C de la B. En 2017, elle a reçu une bourse pour ses recherches sur la kinesthésie, l’empathie et les neurones miroirs dans le cadre de son projet chorégraphique Monkey Mind.
Photo :
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Marion Lévy, danseuse et chorégraphe, directrice du Rebond
Après sa formation au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers de 1987 à 1989, Marion Levy participe aux travaux chorégraphiques de Claude Brumachon, Michelle-Anne de Mey et rencontre Philippe Découflé pour le défilé du Bicentenaire. De 1989 à 1996 elle est membre de la compagnie Rosas dirigée par Anne-Térésa de Keersmaeker et elle tourne atour du monde avec la compagnie : Japon, Nouvelle-Zélande, Australie, Allemagne, États-Unis, Russie, Espagne, Portugal.En 1997, Marion fonde la compagnie Didascalie. Elle crée de nombreuses pièces.
Elle est la directrice artistique du Rebond – Nouveau lieu de résidence artistique à Pommerit le Vicomte (Côte d’Armor) qu’elle acquiert en 2020. La Cie Didascalie reçoit l’aide au conventionnement de la DRAC Bretagne ainsi que l’aide du département des Côtes d’Armor et de la Ville de Pommerit-le-Vicomte. EN 2023, Marion Lévy reçoit la distinction de chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.
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Daniel Larrieu, danseur et chorégraphe
Chorégraphe, danseur, horticulteur et pionnier de la Nouvelle danse française, Daniel Larrieu a exploré en profondeur les notions de mouvement, d’espace et d’expérience associées à la danse contemporaine. Chiquenaudes révèle l’originalité de son langage chorégraphique et remporte le deuxième prix au Concours de Bagnolet en 1982. Auteur de nombreuses pièdces de danse, il est nommé directeur du centre chorégraphique national de Tours et reçoit du Ministre de la Culture le Grand Prix National de la danse. Il a publié chez Acte-Sud, un livre Mémento 1982-2012 qui retrace son parcours avec 200 documents et textes, ouvrage qui donne lieu à une lecture performative Avenir.
Daniel Larrieu a été administrateur délégué à la danse à la SACD pendant deux mandats de trois ans. Il est officier des arts et des lettres et vice-président de l’ENSATT depuis 2016. Le 30 décembre 2017, Daniel Larrieu a été élevé au grade de chevalier de la Légion d’honneur.
Liens : Collection Daniel Larrieu – Collection Daniel Larrieu Vidéo
Photo : © Benjamin Favrat
Asaf Bachrach, danseur et chercheur en neurosciences cognitives.
Formé à l’origine en linguistique théorique (à Paris 3 et Paris 7), Asaf a obtenu un doctorat au M.I.T au cours duquel il a acquis une expertise en neurosciences cognitives et développé un programme de recherche interdisciplinaire en neurolinguistique. Il a par la suite effectué un post-doc au sein du laboratoire de Stanislas Dehaene à Neurospin (INSERM/CEA). Il est actuellement chargé de recherche, rattaché à l’UMR “Structures Formelles du Langage”. Ses principaux intérêts de recherche concernent la linguistique théorique, la neurolinguistique, et surtout la danse et la cognition.
En parallèle de son cursus universitaire, Asaf a depuis plus de 15 ans une pratique régulière de la danse contact, qu’il enseigne depuis plusieurs années, ainsi que d’autres types de danse (Butoh, release technique, tuning score). En 2012, il a organisé une rencontre internationale à Paris autour de la danse contact improvisation et du “mindfulness”. Il est aussi à l’origine du séminaire “The Conscious Body”.
Katia Petrowick, danseuse
Katia Petrowick s’est formée en danse au conservatoire national supérieur de danse de Paris et en clown au centre national des arts du cirque. De 2009 à 2021, elle chorégraphie et danse au sein de la compagnie L’Embellie Musculaire, où elle présente les créations jeune public CoNg COng coNG, PULL OVER et JOGGING au côté de la marionnettiste Ombline de Benque. Parallèlement depuis 2007, elle collabore avec des chorégraphes en France, en Belgique et au Canada. Plus récemment elle est interprète sur la dernière création de Gisèle Vienne, Extra Life.En 2019 elle rejoint le groupe de recherche danse et hypnose mené par Catherine Contour autour de Danser Brut.
En 2021, elle est diplômée de la formation d’éducatrice somatique par le mouvement (Body-Mind Centering®). Elle partage sa pratique du BMC® au sein de workshops ici et ailleurs, et en tant que regard extérieur. En 2023, une recherche autour du BMC® et du KRUMP débute en collaboration avec les danseuses Maya Masse et Nach ainsi qu’un laboratoire, La Talvera, portant des réflexions autour du corps comme micropolitique, là où elle vit, à Faux-la-Montagne.
Photo : © Marion Poussier
Liens : Embellie musculaire – instagram
Marie Motais, danseuse et chorégraphe
Marie Motais est danseuse et chorégraphe (Cie alluna). Diplômée en Danse Contemporaine, Somato-psychopédagogie, Life Art Process, elle conduit un parcours riche d’expériences issues de sa passion pour l’humain, le vivant et notre lien indéniable à la terre. Son chemin se jalonne de rencontres décisives telles Dominique Dupuy, Hervé Diasnas, Augusto Boal, Odile Rouquet, Carlotta Ikeda, Kajo Tsuboï, Patricia Kuypers, Simone Forti, Gabrielle Roth, auprès desquels elle se construit comme « artiste-chercheur ».
Sa rencontre, son travail intensif et collaboration artistique avec Anna Halprin confirment cet engagement d’artiste « buissonnier », et son choix artistique fort au cœur de la danse contemporaine actuelle. A la demande de Daria Halprin, elle ouvre Tamalpa France, la branche en langue française de l’Institut Tamalpa, puis fonde sa propre pratique l’approche Anam Cara (danse, nature & rituels artistiques contemporains).
Sa danse, en relation profonde avec l’environnement présent, la nature et la terre, se nourrit d’une épuration des gestes et des formes pour aller à l’essence même de l’humain, là même où danse l’empreinte du sensible.
Liens : Alluna Danse – instagram
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David Noir, performeur et metteur en scène
À travers son travail d’auteur, de metteur en scène et d’interprète, David Noir s’intéresse essentiellement aux collisions entre réel et fantasme qui font le socle de la nature humaine. Le clip vidéo d’art, la photo légendée, les recherches sonores usant de sa propre voix transformée et chantée, les éléments prélevés dans l’actualité, s’intègrent à ses recherches pour générer hasards et imprévus créatifs de toutes natures. Il réalise régulièrement des courts-métrages non fictionnels sous l’intitulé générique « microfilms », d’une durée souvent inférieure à la minute, créant un genre comique absurde à partir de personnages costumés ou nus dont les mises en situation illustrent littéralement des jeux de mots et des expressions du langage courant. David Noir dessine, peint et pratique le collage depuis l’enfance. Il est par ailleurs enseignant de théâtre et consacre beaucoup de temps à la transmission des divers fruits de ses expériences scéniques sous la forme de stages d’improvisation et d’initiation à la performance.
Depuis 2019, il enchaîne également des prestations mensuelles de cabaret à travers ses personnages dans le cadre du Secret sous l’égide de Jérôme Marin, dans la suite logique de ses performances
Photo : © Philippe Savoir
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Cécile Loyer, danseuse et chorégraphe
Photo : © Géraldine Aresteanu
Lien : Site Internet
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Sylvain Riejou, danseur et chorégraphe
Après l’obtention de son diplôme d’Etat de psychomotricien en 2004, Sylvain Riéjou devient danseur. Il rejoint alors la compagnie COLINE à Istres puis la formation EXTENSION du Centre de Développement Chorégraphique de Toulouse. Depuis 2007, il est interprète pour les chorégraphes Olivia Grandville, Nathalie Pernette, Tatiana Julien, Sylvain Prunenec, Didier Théron, Aurélie Gandit, Geisha Fontaine et Pierre Cotterau. Il travaille également sous la direction de metteurs en scène (Roméo Castellucci, Robert Carsen, Coraline Lamaison) et d’artistes plasticiens (Boris Achour, Clédat et Petitpierre).Durant cette période, il explore des chemins chorégraphiques lui permettant de faire basculer son corps de l’espace réel du plateau vers l’espace virtuel de la vidéo, et inversement.
En 2017, il crée son premier solo : Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver. En 2021, il crée Je rentre dans le droit chemin (qui comme tu le sais n’existe pas et qui par ailleurs n’est pas droit).En 2024, il crée une nouvelle pièce : Je badine avec l’amour (quatuor) qui questionne la place de la danse dans les rencontres amoureuses et plus généralement le rapport au corps dans les relations sensuelles.
Lien : Association cliché
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Joana Schweizer, danseuse, musicienne et chorégraphe
Du quotidien au plateau, de l’enfance à aujourd’hui, par la voix, la danse, l’instrument de musique, Joana est portée en tant qu’artiste par ce ‘‘tout est musique’’ (même une machine à café! ). L’expression de sa musique par le corps lui a fait intégrer enfant une compagnie pendant 10 ans grâce à laquelle elle a pu beaucoup tourner, pour ensuite retourner au CRR de Lyon et au CNSMDP. Lors de ses études elle a collaboré avec des personnalités qui ont bouleversé ses musiques intérieures comme Maguy Marin, Odile Rouquet, Didier Silhol, Christine Gerard, Peter Goss, Christine Lantheric.
En tant que gymnaste déchue, pianiste ou chanteuse, elle a collaboré avec des chorégraphes comme : Louise Hakim, Jean-Christophe Boclé, Le Collectif io, Wendy Cornu, la Cie Op’là et le groupe électro Kab. Aujourd’hui, elle est interprète pour le CCN de Roubaix/Sylvain Groud Let’s move, pour les compagnies No man’s Land/Leïla Gaudin, Kido/Alexandra Grimal, Max Fossati, As Soon As Possible/Nina Vallon, Pli/Flora Detraz Muyte Maker, Ne Dites Pas Non Vous Avez Souri/Simon Deslandes Echoes of the Jungle et le metteur en scène Ismael Tifouche Nieto Arianna. Elle a fondé la Cie Aniki Vóvó en 2016 dont elle est la directrice artistique et au sein de laquelle elle collabore étroitement avec l’artiste Gala Ognibene. Elle est lauréate de la Fondation de Royaumont en 2018.
Photo : © Carla Neff
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Johanna Faye, designer, danseuse, chorégraphe
Johanna Faye
Johanna est née, a grandi et habite toujours en banlieue parisienne.
Cette artiste aime se définir comme « designer ». Son besoin profond est l’expression, peu importe le médium.
Aujourd’hui, elle expérimente sa vision à travers la danse, l’acting, la poésie, la lumière, la scénographie, le stylisme, le tatouage et la cuisine.
Élevée dans la culture Hip hop, elle y a développé une pratique autodidacte, et la conviction profonde qu’elle peut être ce qu’elle désire, qu’elle a la responsabilité de son pouvoir comme de ses limites, et qu’il ne tient qu’à elle de se donner les moyens de ses ambitions.
Son premier médium d’expression est le breakdance.
Elle met sa vision au service de projets pour lesquels elle fait la direction artistique et chorégraphique, dans le monde du théâtre, de la mode, de l’art plastique ou de la musique.
« je ne veux pas choisir un endroit pour être créative, le seul que je choisis, c’est l’endroit de la passion de l’amour et du plaisir » J.F.
Photo : © Jérôme Bonnet
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Vincent Dupuy, danseur, chorégraphe
Vincent Dupuy a été formé à la gymnastique artistique pendant 10 ans. En 2013, il intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Il y suit une formation de danseur contemporain et obtient son DNSPD (diplôme national supérieur professionnel de danseur interprète).
À sa sortie, il devient lauréat 2016 de Talents ADAMI et participe à la reprise de May B, pièce emblématique de la danse contemporaine, au sein de la compagnie Maguy Marin. Il collabore pendant 5 ans en tant que metteur en scène et chorégraphe avec la compagnie Arthésic, jeune collectif de théâtre contemporain.
Depuis 2017, Vincent est danseur-interprète du chorégraphe Hervé Robbe dans A New Landscape et de la chorégraphe plasticienne Gisèle Vienne dans Crowd et Kindertotenlieder. En 2019, il intègre la recréation de So Schnell de Dominique Bagouet par Catherine Legrand. Actuellement, il interprète le solo Fuglane, chorégraphié par Hélène Rocheteau et danse dans la pièce Stabat Mater, de Pauline Bayard.
Il fonde la Cie Atlas en septembre 2021 pour développer son propre travail chorégraphique et porter sa première création Infra (2024).
Photo : ©
instagram : @vincoud
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Maki Watanabe, danseuse de Butô, chorégraphe
Née le 28 Janvier 1976 à Sendaï au Japon.
Depuis son enfance, elle commence la danse par la danse moderne jazz pendant 13 ans, et elle arrête de danser pendant 3 ans à cause de difficultés psychologiques. La rencontre avec Kazuo Ohno l’amène à reprendre la danse. Elle intègre le monde de la danse butô en 1995, initiée par Kazuo Ohno, Masaki Iwana et Marie Kazué.
Entre 2000 et 2020, elle danse dans plusieurs pièces de chorégraphes Ainsi elle continue son apprentissage à travers le travail et la collaboration avec différents artistes butô ou proches du butô. Parallèlement, elle cherche son propre chemin en proposant ses performances et créations. Elle danse souvent en improvisation, et collabore également avec des musiciens, plasticiens, peintres, etc…
Le butô l’accompagne dans des moments difficiles, l’aidant à trouver la lumière depuis la pénombre. Elle a ainsi surmonté ses souffrances avec l’impression de monter en spirale graduellement. La danse et le corps sont pour elle comme une fleur, un nuage, des animaux, etc… sentir le vent avec le corps est quelque chose de fondamentale dans sa danse. Elle s’inspireégalement d’autres domaines comme le clown, le théâtre, la danse contemporaine etc…elle préfère chercher la danse sans la cadrer. Et ce qui est essentiel pour elle, c’est de revenir au butô avec l’héritage des anciens danseurs, aînés, et partenaires.
Actuellement, elle travaille comme danseuse indépendante, en solo ou avec d’autres, et donne des ateliers et stages en France proposant ainsi des lieux partagés d’échange et de recherche.
Yohan Vallée, danseur, chorégraphe
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Chorégraphe et interprète,Yohan Vallée se forme en théâtre et en danse à Paris auprès de Nadia Vadori-Gauthier puis aux Ballets C de la B en Belgique avec Quan Bui Ngoc & Lisi Estaras.
En 2017, il crée la compagnie Appel d’Air, basée à Tours, avec le solo Un certain printemps dont une nouvelle version verra le jour en 2021 pour Danse Dense #lefestival.
Entre 2020 et 2022, il collabore avec Jeanne Alechinsky pour Mon vrai métier, c’est la nuit & Porte vers moi tes pas, en collaboration avec le musicien Stéphane Milochevitch. En 2023, il crée le solo Une autre histoire et débute la création de la première pièce de groupe de la compagnie, Abwarten.
En parallèle, il est interprète pour Lisi Estaras & Ido Batash (The Jewish Connection Project) et Gaia Saitta (Senza Fine) en Belgique. Il est artiste associé à L’étoile du nord à Paris et au Plessis – Théâtre près de Tours depuis 2020.
Emmanuelle Vo-Dihn, danseuse, chorégraphe
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Emmanuelle Vo-Dinh est une chorégraphe des phénomènes sociaux, physiologiques, psychologiques ou mécaniques : elle s’empare de faits précis, les observe, les comprend puis les transforme en matériaux chorégraphiques et plastiques.
À la création de sa compagnie, Sui Generis, en 1997, elle s’intéresse d’abord aux émotions. Elle passe ainsi deux mois auprès du neurologue Antonio Damasio à Iowa City pour préparer Texture/Composite (1999). Puis elle se plonge dans les écrits de Jean Oury sur la schizophrénie, qui lui inspirent sa pièce Sagen (2001).
Auteure de nombreuses pièces, elle prend la direction du Phare Centre Chorégraphique National du Havre Normandie de 2012 à 2021. Son intérêt pour les sciences s’articule progressivement à un questionnement sur la fiction et la narration.
Emmanuelle Vo-Dinh a été présidente de l’Association des Centres chorégraphiques nationaux de 2013 à 2017. En 2014, elle a été nommée Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.
Elle mène aujourd’hui le projet Pavillon-s, implanté à Rouen et à Andé (27), qui porte son travail de création/diffusion et s’attache à déployer des projets d’invitations à d’autres artistes, dans le champ de l’expérimentation, et dans le partage avec les publics.
Elle est artiste associée au Théâtre, scène nationale de Saint-Nazaire en 2023/2024 et 2024/2025.
Photo : © Olivier Bonnet
Lorenzo « Sweet » Vayssière, danseur, poète, interprète.
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Lorenzo Vayssière dit « Sweet » est un danseur-poète interprète né dans le Val d’Oise, à Eaubonne, où il fait ses débuts à l’âge de 15 ans. Il s’appuie principalement sur le bboying, une pratique commune de laquelle il s’extirpe pour parvenir à la singularité et ainsi atteindre l’épanouissement absolu dans son art. Cela lui vaut le caractère pur de sa danse, basée sur un savoir-faire percutant entre l’appropriation d’états et d’énergies contraires, la qualité d’exécution du mouvement et l’art de le faire respirer ou encore, danser la vie, ses hauts et ses bas avec enthousiasme.
Depuis 2007, il est membre actif du groupe Bad Trip, un des groupes français de danse tous styles confondus les plus atypiques. Il intègre aussi le groupe Sans Limite en 2010, caractérisé par son activisme dans le milieu des battles et dans lequel se confondent des bboys provenant de Paris et Troyes. Toujours dans une recherche de dépassement de soi, Lorenzo rejoint en 2013 la compagnie de danse urbaine / contemporaine Black Sheep, fondée par Saïdo « Darwin » Lehlouh et Johanna Faye. Il dansera ainsi dans la création Wild Cat et plus récemment dans Apaches.
Enclin à un nouvel élan artistique, il fonde Selected View en 2019 avec Rowdi Legove Lewing : une plateforme qui rassemble des bboys prônant la même vision artistique et allant à la quête de l’état de grâce à travers l’approche de l’inconnu et de la magie du moment présent.
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Denis Plassard, danseur, danseur et chorégraphe.
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Après une formation en danse classique et contemporaine au CNSMD de Lyon et après une brève carrière d’interprète (Josette Baïz) Denis Plassard crée en 1990 son premier solo Propos qui donnera son nom à la compagnie qu’il fonde l’année suivante. Il obtient le D.E. de professeur de danse contemporaine en 1991. Depuis plus de 30 ans il est chorégraphe et danseur de la Cie Propos.
Au sein de la Cie, il compose au fil des années un vaste un répertoire de spectacles en dehors des modes qui allient le jeu, le rapport au texte et l’humour. Parallèlement à ces aventures scéniques, Denis Plassard développe des projets artistiques originaux autour de la photos (Hors Sol, romans photos), de la création sonore (audioguides, échauffements audioguidés, radioguidages d’intérieur…) et du jeu (La clinique du docteur D).
Depuis le début de l’aventure de la Cie Propos, il nourrit une passion pour la transmission et l’invention de processus d’intervention auprès des publics, dans l’idée de partager une danse accessible à tous.
Il est régulièrement invité par d’autres structures de théâtre (CDN de Valence, Théâtre Craie, Turak, Raskine & Cie), de Cirque (Virevolt, CNAC, Rasposo), de musique (Ensemble Boréades) ou de danse (Käfig, Panthera Ballet Kazan Russie).
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Meg Stuart, danseuse et chorégraphe
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Meg Stuart, née à la Nouvelle-Orléans, est une chorégraphe, metteur en scène et danseuse qui vit et travaille à Berlin et Bruxelles. Avec sa compagnie Damaged Goods, fondée en 1994, elle a créé plus d’une trentaine de spectacles, naviguant librement entre les genres de la danse, du théâtre et des arts visuels. Son travail est motivé par un sens de l’expérimentation et une pollinisation croisée artistique, remettant en question les limites du corps et élargissant notre perception de la réalité. Elle utilise des fictions et des couches narratives changeantes pour exposer les scripts qui sont écrits non seulement sur nos corps, mais aussi sur les espaces et les paysages dans lesquels nous évoluons. Le travail de Stuart questionne la manière dont nous pouvons réécrire ces histoires de nous-mêmes et des autres sans regarder en arrière, mais en exploitant le potentiel du moment. À travers sa pratique, elle explore la danse comme moyen de transformer le tissu social et de rassembler les communautés.
I œuvre s’étend des solos et duos tels que Blessed (2007), Hunter (2014) et Steal you for a moment (2024) à des chorégraphies à grande échelle telles que VIOLET (2011), Celestial Sorrow (2018) et CASCADE (2021). Tout au long de sa carrière, elle a toujours exploré son propre corps en tant que site, se produisant régulièrement dans ses propres pièces et projets parallèles. Stuart entretient des liens durables avec une diversité d’artistes, remettant en question et perturbant sa propre pratique en créant des œuvres en dialogue avec les autres.
Elle a reçu plusieurs prix en reconnaissance de son œuvre, parmi lesquels le Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière à la Biennale de Venise en 2018 et un Bessie Award en 2008, ainsi que le Deutscher Tanzpreis (2018), le Grand Prix de la Danse. de Montréal (2014) et le Konrad-Wolf-Preis, décerné par l’Akademie der Kunste en 2012.
Photo : © Eva Wurdinger
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Pauline Bayard, danseuse et chorégraphe
Pauline Bayard est née à Saint-Étienne, elle vit et travaille entre Saint-Étienne et Paris. Après une formation initiale de danseuse au sein de la compagnie d’enfants Orteils de sable à Saint-Étienne, elle poursuit des études cinématographiques à l’Université Paris Diderot ainsi qu’un double cursus de danse contemporaine et d’art dramatique aux Conservatoires du Centre, Vème et XIIème arrondissements de Paris. Entre 2016 et 2019, son travail chorégraphique se dessine, elle crée six formes courtes dont les représentations ont lieu au Monfort Théâtre à Paris au sein du laboratoire chorégraphique dirigé par Nadia Vadori-Gauthier.
Depuis la création de sa compagnie minuit en 2020, elle créé ses deux premières pièces, Stabat mater & Rouge [les quatre saisons]. Stabat mater s’élabore à partir de fragments de différents Stabat mater (Vivaldi, Pergolèse, Rosano, Pärt, Nomi, de Witte) pour trois interprètes. Rouge [les quatre saisons] se construit à partir des Quatre Saisons (Vivaldi, Richter et Artières) pour cinq interprètes femmes à différentes étapes de leur vie .
Pauline Bayard situe la danse à la croisée des différentes formes artistiques, pour interroger le théâtre, le cinéma, la photographie et la musique. Ses projets chorégraphiques se nourrissent d’un vocabulaire emprunté au théâtre, la littérature et à une esthétique cinématographique qui travaille sur les points de vue — des spectateurs comme des interprètes — pour croiser les imaginaires. Elle redouble les liens entre les différents champs en ouvrant des prolongements filmiques à ses formes scéniques pour explorer et expérimenter de nouveaux modes de complémentarité.
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